Françoiz Breut présentera les morceaux d’un album qu’elle est en train de peaufiner. Quant à Joy, la formation d’un certain Marc Huyghens (ex-Venus), ce sera le dernier concert bruxellois de sa tournée, après quoi le groupe ira phosphorer sur sa prochaine plaque. Enfin, Clare Louise défendra pour la première fois à Bruxelles son EP solo “Bare Tales” sorti en début d’année dans la foulée de son premier album, “Castles in the air”.

Pink Floyd

Pink Floyd The Wall ****

Après l’intégrale des albums studio (en box et séparément), après le Best Of et le coffret Dark side of the moon, voici la dernière offensive Pink Floyd en date : le Immersion Box Set de 7 disques de The Wall, le chef-d’œuvre de Roger Waters, récemment proposé live à Anvers par l’intéressé.

Les fétichistes s’intéresseront peut-être aux nombreux gadgets (un sac en velours, trois billes, neuf sous-verre, une écharpe…) et les collectionneurs seront heureux de posséder la réplique d’un ticket de concert et d’un backstage pass, voire de cartes en tout genre (avec les dessins de Gerald Scarfe et de Storm Thorgerson), en plus de deux livres de photos.

Côté musique, l’album original remastérisé est complété par l’album live 1980-81 remastérisé et deux CD des démos de 1979 de plus de deux heures. Le DVD de 72 minutes propose surtout le documentaire Behind the Wall en plus d’une interview de Gerald Scarfe et de deux clips. Voilà de quoi définitivement graver dans l’histoire de la musique cette page unique sur l’incommunicabilité et le sentiment d’isolation. Coffret 6CD + 1DVD EMI. http://www.pinkfloyd.com/

Mike Hadreas, citoyen de Seattle de 26 ans, s’est fait connaître en 2010 avec un premier album Learning. Un disque délicat et troublant, habité par une voix céleste. Comme suspendue par une armée d’anges. Et des chansons suffisamment fortes pour susciter un léger malaise à l’image de « Mr Petersen » que même Mike hésite à en déflorer le sens.

Perfume Genius – le nom du projet – s’inscrit dans la ligne de grands artistes torturés que sont Elliott Smith ou Rufus Wainwright. Avec son deuxième album, le tout aussi réussi Put your back N 2 It, Mike fait plus que confirmer.

En le retrouvant dans le hall de ce palace bruxellois, le jeune homme a un peu changé. Pas vraiment physiquement mais on sent derrière cette fragilité naturelle que Mike est plus sûr que lui. On lui en fait part en lui rappelant que lors de notre première rencontre (à Brooklyn, en octobre 2010), il fallait bien balancer 25 questions avant d’avoir une toute petite réponse.

Votre premier album s’appelait « Learning », qui, comme son nom l’indique était un disque d’« apprentissage », en quelque sorte. Qu’avez-vous appris finalement depuis deux ans ?

Le plus important a été de me rendre compte que j’étais capable de faire quelque chose. Et mieux que je continue à faire ce que j’aime et à progresser. Je suis devenu beaucoup plus confiant. Ce qui n’était pas le cas par le passé. Ce n’est pas un scoop si je te dis que je suis de nature timide. Mais il s’est passé quelque chose lors des concerts. J’ai senti que c’était un vrai moment de partage, une communion, en quelque sorte, avec mon public. Ça m’a donné une bonne énergie au point que chanter mes chansons est devenu vraiment un but en soi. Ça doit bien être la première fois que j’ai un but dans la vie, d’ailleurs.

J’ai reçu tellement de lettres touchantes, de petites attentions ; ça peut paraître un peu ringard dit comme ça mais c’est important pour moi. C’est parfois bizarre comme sentiment parce que les gens m’écrivent comme s’ils me connaissaient personnellement. Dans un sens, je peux les comprendre.

Tout cela m’a beaucoup aidé à supporter la trouille bleue que j’avais avant de monter sur scène.

Quand vous étiez enfant ou adolescent, quels sont les groupes ou artistes qui vous ont aidé à nourrir votre solitude ?

Je devais avoir 13 ans lorsque j’ai découvert Liz Phair. Elle évoque le sexe de manière assez crue et c’était quelque chose d’inhabituel pour moi. J’avais l’impression qu’elle me parlait. Je découvrais une écriture libre, où, finalement, il n’y avait aucun tabou. Même si elle avait une certaine froideur, il y avait énormément d’émotions. Avant cela, j’écoutais de la pop mais Liz Phair m’a vraiment fait basculer vers un autre univers.

Vous souvenez-vous d’un moment précis lié à une rencontre, à un endroit, où vous avez eu le déclic afin de travailler sur un nouvel album ?

Cela s’est fait plutôt graduellement. Il fallait d’abord des textes. Qui parlent à tout le monde. Que je me décide à qui je choisis de m’adresser. J’essaie de trouver une approche plutôt universelle, un angle qui permet à l’auditeur de s’y retrouver totalement. Je pense d’abord à quelqu’un de précis, pour la plupart des chansons de ce nouveau disque, ça s’est passé comme cela. Ce n’est pas un processus purement égoïste. Je garde en tête les gens qui achèteront l’album.

Autant votre premier disque était éminemment personnel et perturbant, autant « Put your back N 2 It » est beaucoup plus ouvert. C’était vraiment ce que vous aviez en tête ?

Bien sûr. Je ne voulais plus être trop spécifique, partager des moments précis de ma vie, je n’avais plus envie d’écrire comme si chaque chanson était un chapitre de mon journal intime. C’était le cas pour Learning, j’avais fait le tour, je voulais avancer. En plus, je me suis rendu compte, humblement, que je n’étais pas aussi unique que je ne le pensais. Que je n’étais pas le seul à partager mes larmes, mes états d’âme, mes problèmes.

« Put your back N 2 It » a été enregistré en Angleterre et aux Etats-Unis. Qu’est-ce que ça a changé ?

C’était d’abord une opportunité. Quand je joue chez moi, à Seattle, il n’y a pas grand monde dans la salle à part ma mère et quelques personnes. En Angleterre, j’ai eu tout de suite beaucoup de monde.

Musicalement, vous êtes toujours dans l’épure mais on sent malgré tout votre volonté d’évoluer. On y entend des guitares et même un trombone, du violoncelle…

J’avais envie de quelque chose d’organique et comme j’avais du monde en studio, c’est devenu plus un travail d’équipe. C’est John Parish qui joue du trombone, c’était quelque chose de l’avoir à mes côtés. J’adore Dance Hall at Louise Point, le disque qu’il a composé avec PJ Harvey.

« Awol marine », qui évoque clairement le sexe, a un parfum de David Lynch et de Grandaddy…

Je suis un grand fan de Lynch, de son compositeur Angelo Badalamenti… Parce qu’il n’a pas son pareil pour créer une atmosphère. C’est sans doute la plus grande influence de ce disque. Par contre, je ne connais pas vraiment Grandaddy. Pour revenir à Lynch, j’aime bien écrire ma musique comme une bande originale de film. J’aime Lars Von Trier, Michael Haneke, de ces gens qui ont une approche extrême des émotions.

En parlant d’émotions extrêmes, pourquoi aborder la prostitution à travers « Take me home » ?

Je voulais juste parler d’un moyen qui permet de trouver ce quelque chose qui correspond à tes besoins. Ça peut tout aussi bien être une drogue. En dehors de tous critères moraux, si tu as envie de sexe aujourd’hui, de t’évader un peu pendant quelques minutes…

Beaucoup de chansons font référence à l’amour et au sexe entre hommes. Vous n’avez pas peur de devenir une espèce de porte-parole de la communauté homosexuelle ?

C’est surtout une question d’honnêteté par rapport à moi-même, dans un premier temps. À un moment donné, je me suis dit qu’il était hors de question que je sois honteux pour quoi que ce soit. Sexualité incluse.

Je fais confiance à l’intelligence des gens. Je suis gay, je n’ai aucun problème avec ça. Et comme j’écris des chansons, j’écris sur ce que je connais. Je parle d’amour. Pas toujours mais souvent. De sexe aussi. De relations. Je me rends compte en te parlant que j’écris des chansons que j’aurais voulu entendre quand j’étais jeune.

http://www.myspace.com/kewlmagik

La critique de l’album

Ce nouvel album, son neuvième, s’intitule “Vers les lueurs”. Il a été enregistré à Bruxelles fin 2011 et sortira fin mars sur Cinq7. Il prendra semble-t-il le contre-pied de “La Musique” (2009) qui avait été enregistré seul, en prenant le parti pris orchestral avec un grand nombre d’instruments. Sur scène en janvier, neuf personnes entouraient Dominique A. Deux extraits ont déjà vu le jour sur la toile, le calme et intime (et donc pas forcément représentatif) titre éponyme sur la toile et le premier simple ‘Rendez-nous la lumière’.

Dominique A – Rendez-nous la lumière by Cinq7

DZ

http://www.dominiquea.com

http://www.commentcertainsvivent.com/

Certes, certes. La tournée « Watch the trone » risque de mettre tout le monde d’accord. Aux Etats-Unis, l’album éponyme a cartonné et Jay-Z et Kanye West ont décroché le titre de meilleure performance rap de l’année pour leur prestation sur le single « Otis ». Les deux stars, amis dans la vie, se sont déjà invitées sur scène mais c’est bel et bien la première fois qu’ils partent en tournée ensemble.

Pitcho, le rappeur et comédien, était au Madison Square Garden, en novembre dernier. Il n’en est toujours pas revenu. « C’est le meilleur show de hip-hop de ma vie. Le fait que c’était à New-York, que Jay-Z était chez lui, tout ça n’a pas de prix. Il reste un des plus grands mc’s actuel. Conjugué à la folie Jacksonienne de Kayne West, c’est vraiment un concert pour les amoureux de la musique noire.»

Début des préventes : ce mercredi 22 février dès 9 heures au 0900-260.60 et sur le site proximusgoformusic.be. Prix des tickets (hors frais de réservation) de 38 à 50 euros.

Ph.Mn.

Samedi soir, à l’Espace Senghor, à Etterbeek, le quintet de Nguyên a brûlé les vieilles planches de la belle ancienne salle de cinéma avec une musique incandescente, hommage à ces grandes chansons pop rock que Nguyên vénère et arrange avec une subtilité formidable.

On se dit au départ qu’une musique si forte doit être déversée dans un Zénith, un Forest National, un stade. Et pas au Senghor. Mais c’est un leurre. Car la prestation de Nguyên, Lê and co n’est pas qu’énergie, elle est aussi subtilité, et cette subtilité-là ne peut s’entendre que dans une salle aux dimensions humaines et chaleureuses comme celle du Senghor.

Ils sont cinq sur scène : Nguyên Lê à la guitare et à l’ordinateur ; Illya Amar au vibraphone et aux marimbas ; Linley Marthe à la basse ; Stéphane Galland (le Belge de l’étape) aux drums ; et Himiko Paganotti au chant. Une équipe. Personne ne tire la couverture à lui, même le chef, Nguyên, laisse de l’espace aux autres pour s’exprimer. Et ils ne s’en privent pas. Marthe et Amar ont réalisé des solos improvisés à tomber d’extase par terre. Lê joue de la guitare avec une poésie qui peut se transformer en tonnerre. Galland impose des rythmes frénétiques avec son jeu éblouissant, particulièrement ses impulsions à la grosse caisse. Et Paganotti assure formidablement sur le devant de la scène : une voix extraordinaire, un charisme fédérateur, une ironie et un charme qui mettent la salle à ses pieds. Il fallait l’entendre quasiment scatter sur « Move over «, poétiquement scander les belles paroles de « Eleanor Rigby «, soudain prendre une voix de tête pour le second couplet de « Whole Lotta Love « …

C’est donc la culture mondiale que « Songs of freedom « célèbre. « Quand on parle de world music, on entend « musiques du monde «, mais la première world music, celle que le monde entier connaît, ce sont tous ces tubes du rock et de la pop, précise Nguyên Lê. Mon idée était d’avoir un point de vue ethnomusicologique extérieur sur ces morceaux. Et de jouer avec l’inspiration et la composition. De prendre, par exemple, le point de vue d’un paysan vietnamien qui jouerait le morceau de Janis Joplin « Mercedes Benz « .

C’est avec ce morceau que le concert débute. On chante ensuite « I wish « de Stevie Wonder, « Pastime Paradise « du même, « Move Over « de Janis Joplin, « Eleanor Rigby « et « Come together « des Beatles. Chaque morceau prend des couleurs particulières. « Eleanor Rigby « est plutôt balinais, « Come together « plutôt turc. Tout cela mêlé à une liberté propre au jazz et aux inflexions asiatiques de la guitare de Nguyên. Mais, malgré cette multiplicité, la musique reste homogène. « Il y a tellement d’influences que je veux célébrer, reprend Nguyên Lê. Mais s’il y a une unité, c’est bien dans l’écriture des arrangements et dans le jeu de guitare. « Et les arrangements sont grandioses, inattendus. Et quand on reconnaît le morceau après l’introduction belle mais mystérieuse, on plonge dans un grand ravissement.

Les derniers accords de « Come together « évanouis, le quintet salue, longuement, sous les applaudissements enthousiastes d’un public tout à fait conquis. C’est sûr, la salle veut un bis. Elle l’aura. De retour sur scène, Nguyên annonce : « Jusqu’ici, on a joué des balades. Maintenant on va vraiment joué du rock. Avec un monument de hard rock : Whole lotta love « . Page et Plant auraient aimé cette version du morceau emblématique de Led Zeppelin : débridée, folle, avec un solo de basse époustouflant et un travail à la batterie qui laisse pantois. Mais ce serait une erreur d’identifier tel ou tel musicien plutôt qu’un autre : c’est l’ensemble qui fait impression. Une impression durable. Qui restera comme un des grands concerts de fusion jazz-rock que j’aie jamais vus.

Ainsi, quand Julien Doré est revenu en janvier 2011 avec ‘Kiss Me Forever’, single annonciateur de son deuxième album, on était content. Titre bien balancé, accrocheur, références à la culture pop dans les paroles (Renaud, Orange Mécanique – «Kiss Me Forever/au rouge métallique»), le pop-star semblait enfin avoir un titre à la hauteur de l’image qu’il aime véhiculer. Le problème, c’est qu’on connaissait déjà la chanson…

Julien Doré, «Kiss Me Forever»
Blur, «Coffee & TV»

Le riff, la progression d’accords, le rythme et la teinture pop… Tout ça formait déjà le ‘Coffee & TV’ que Blur avait sorti en mars 1999 sur son sixième album «13». Ecrit par Damon Albarn, ‘Coffee & TV’ est sorti en single en juin 99 et a surtout marqué les esprits pour sa vidéo mettant en scène un carton de lait partant à la recherche du guitariste Graham Coxon, auteur des paroles.

Personne n’a trop osé relever la similitude à la sortie de ‘Kiss Me Forever’, pour les raisons citées plus haut, sans doute, pour les espoirs qu’on continue de miser sur l’homme Doré. Mais cette affaire n’aide pas Julian Golden dans sa quête de reconnaissance en tant qu’ Artiste. Même si on peut toujours rechigner et dire que la progression d’accords est loin d’être originale, mais typique de la tradition pop venant des Kinks et au-delà… Tout cela n’en est pas moins British pure malt. Les faits sont là, Messieurs les Anglais ont tiré les premiers.

Didier Zacharie

Soundgarden s’était séparé en 1997 après la sortie de son cinquième album Down On The Upside. Le groupe, fer de lance de la vague grunge, avait atteint le grand public grâce à l’album précédent, l’excellent et zeppelinesque Superunknown (1994) qui contenait (pour le meilleur et pour le pire) la ballade tubesque ‘Black Hole Sun’ (pour un peu, si on ose, le ‘Still Loving You’ des 90′s?…). Depuis la séparation, Chris Cornell est parti faire une carrière solo peu convaincante (pour être poli) et le batteur Matt Cameron a rejoint Pearl Jam. Soundgarden est donc à redécouvrir sur de bonnes bases cet été sur la plaine de Werchter, le 28 mai.

Les tickets sont en vente sur la billetterie en ligne du Soir.

http://www.werchterboutique.be/fr/

DZ

de notre envoyé spécial

12h30. Le rendez-vous pour la centaine de journalistes en provenance des quatre coins du globe a lieu dans les locaux de Sony France, rue Châteaudin, dans le 9e arrondissement. On patiente gentiment en sirotant un café et tout le monde y va de sa petite anecdote concernant Springsteen.

On est censé venir nous chercher dans une heure pour « un lieu tenu secret ». Et là, écoute de Wrecking ball (voir ci-contre) et une heure de conférence de presse animée par le plus grand fan de l’Hexagone qui soit : Antoine de Caunes. Par le plus grand des hasards, notre confrère Bernard « DJ Dog » Dobbeleer est en conversation avec Eric Laforge, animateur de Classic 21. Celui-ci, fondu de l’Américain, lui apprend que c’est au Théâtre Marigny qu’a lieu la rencontre avec la presse.

13h15. C’est un véritable troupeau qui arpente les trottoirs de la capitale française en direction de deux bus, qui nous emmènent, une bonne dizaine de minutes plus tard au théâtre dirigé aujourd’hui par Pierre Lescure.

13h45. Devant le théâtre parisien, on papote avec Loïc qui s’autoproclame « fan de Springsteen depuis 20 ans ». « J’ai eu l’info hier de sa visite à Paris » explique l’aficionado. « Ce n’est que ce matin, via un forum de fan, que j’ai su que c’était ici. Je serai déjà bien content de le voir. »

14h. Alors que nos confrères et consœurs dévorent macarons et petits fours en sirotant une coupette, nous sommes victimes d’une fringale. Une responsable de Sony France (qui préfère l’anonymat) nous invite avec deux collègues à partager le repas à la cantine du théâtre où se produit Karin Viard. On se refait une santé à renfort de salade de pommes de terre au gingembre arrosé d’un Côtes de Bourg 2010.

15h. Antoine de Caunes introduit l’écoute du disque en précisant que la musique de Bruce Springsteen est « presque la bande originale de ma vie ». Nous écoutons les onze morceaux religieusement.

16h. Bruce, vêtu de noir des pieds à la tête, s’assied sur un tabouret et répondra, pendant une bonne heure aux questions. Détendu, parfois drôle, souvent grave, Bruce Springsteen insiste sur le fait de « Rester à l’écoute, être éveillé et essayer de comprendre le monde dans lequel je vis. C’est l’essence de mon travail et c’est comme ça à chaque album. » C’est ce qui lui permet et plutôt bien de palper l’air du temps tout en gardant en tête la notion de plaisir et de divertir.

17h. Retour au bar du théâtre Marigny où Bruce Sprinsgteen vient faire un petit coucou. Thierry Frémeaux, le grand manitou du festival de Cannes, en profite pour lui proposer d’être membre du jury lors de la prochaine édition. On croise aussi Elliott Murphy qui est catégorique : « Ce nouveau disque est le meilleur Sprinsgteen depuis The Rising (2002). » On gardera, enfin, l’image d’Emma de Caunes, en larmes, après avoir rencontré, en vrai « l’idole de son paternel ». Sacré Boss…